CONTACTOS ENTRE EXPRESIONISMO PICTÓRICO Y MUSICAL

José Carlor Rodrigo Herrera

Es difícil relacionar artes tan dispares como son la música y la pintura, pues, aunque ambas “expresen” mismos conceptos e ideas al espectador, somos conscientes de la diferencia de sus medios, así la música se basa en la emisión de ondas por el aire captadas por los oídos, mientras que la pintura, es el reflejo de la luz en la superficie del lienzo y captada por la retina del ojo. Debemos tener en cuenta también, que el arte en todas sus formas es hija de su tiempo (de ahí la anunciación tradicional de la existencia de diferentes estilos artísticos a lo largo de la historia humana) y que verdaderamente estos tienen un condicionante social e histórico claro.

En este artículo, trataremos de ver si se relacionan dos artes diferentes (pintura y música) en un espacio (Alemania) y una época (principios del siglo XX), y cual influye (si es que lo hace) qué arte a qué arte.

Empezaremos con una rápida visión global de la Alemania de la época y el panorama cultural en la música y pintura de la que llamamos “Espresionista”,así como un especial hincapié en el pensamiento de dos figuras, que consideramos como claves para la comprensión de nuestro tema, como son Wassily Kandinsky (como nexo de unión entre pintura y música) y Arnold Shoenberg (como máxima referencia en el campo musical), de los que extraeremos las ideas de cada arte y las contrapondremos para sacar una conclusión final.

- Panorama Histórico Político de Alemania en las primeras décadas del S.XX (1)

En 1890 sube al trono alemán Guillermo II y Bismarck es destituido como canciller, con lo que supuso un cambio en la política exterior alemana que desembocó con la Guerra Mundial.

Esta nueva política abandonó el complejo sistema de alianzas construido por Bismarck, que había garantizado la paz en Europa durante casi veinte años e impulsó una política alemana de hegemonía mundial.

La Segunda Revolución Industrial trajo consigo un desarrollo armamentístico e industrial de las potencias; Alemania se puso al nivel de la hegemónica Gran Bretaña.

La herencia decimonónica fue el deseo colonialista que propinó la lucha de las potencias en la búsqueda de territorios y mercados. Este imperialismo provocó que los inevitables roces entre las potencias para conseguir mas y mejores mercados en todo el globo. El proteccionismo fue otro elemento que enrareció las relaciones internacionales.

A esto le añadimos la contienda franco-germana al anexionarse los territorios de Alsacia y Lorena en 1870.

El ambiente nacionalistas potenciado por gobierno y prensa de la época crearon un ambiente enrarecido de los ciudadanos de los países con sus vecinos. Estos nacionalismos apostaban por una superioridad racial sobre los pueblos, gentes y paises vecinos, por lo que llegaban a justificar pretensiones sociales y políticas.

- El Expresionismo y su significación

Término utilizado (al igual que el Impresionismo) primero en la materia pictórica y después en la musical. Mientras el Impresionismo trataba de recoger la “impresión” causada por la realidad, el Expresionismo, trata de recoger la “expresión”, el sentimiento intimo, espiritual y personal que la realidad provoca en el alma; así, Expresionismo es heredero del derivado del Romanticismo, pero sus medios son diferentes. Lo que interesa al Expresionismo es el hombre real; y este vive en una especie de depresión, causado en gran medida por la caída de los valores espirituales y sociales causados por el cambio de sociedades y costumbres y economía que se han dado a lo largo del tortuoso siglo XIX; esta visión pesimista del mundo ha dado como resultado a un hombre desmoralizado, que busca incesablemente una nueva base moral y ante todo, un hombre hundido en una gran crisis existencial, que le obliga a revelarse con todo lo establecido y sus normas. El Arte se convertirá en el medio de “descargar” esa angustia del artista, reflejo individual del ambiente de la sociedad de la época y del desmoronamiento político que se anunciaba en la Alemania contemporánea.

No podemos hablar de una escuela estética bien definida (es más, nunca se produjo ningún manifiesto expresionista, como sucedió en otros “ismos” como el Cubismo, Dadaismo...).

Fue un movimiento surgido como reacción a la sociedad alemana de preguerra, en contra de esos sentimientos de imperialismo que alcanzaría su máximo auge en 1914, con el estallido de la Primera Guerra Mundial, el desastre que para Alemania esto supuso y el posterior auge del nazismo, que consideró esta actitud y a sus seguidores como “degenerados”. Abarca todas las artes (pintura, escultura, arquitectura, música, literatura...).

La ética expresionista está cargada pues de un pesimismo pedante de negación de la realidad. Esto se refleja pictóricamente por la utilización de colores irreales, por la deformación de las figuras, por la introducción de fenómenos misteriosos; en la literatura, por los juegos verbales en los escritores y la exaltación de las imágenes, con menosprecio del contenido. Todo en pos del rechazo de una realidad que aborrecían.

El Expresionismo como movimiento, empezó a extinguirse con la I Guerra Mundial, donde murieron algunos de sus representantes como Stadler, Lichtenstein y A. Stramm; rematado por el suicidio de Trakl y la muerte en accidente de G. Heym. Los años 30 supusieron su desaparición definitiva.

Los principales pintores que destacaron en el expresionismo pictórico fueron Emil Nolde, Munch, Paul Klee, Kandinsky, Kokoschka, Pechstein, etc, (pero sus antecedentes pueden encontrarse en los Pos-impresionistas).Sus literatos fueron G. Kaiser, E. Barlach, A. Döblin, L. Frank y G. Benn, G. Heym, A Stramm, E. Stadler, etc. En la música, con compositores como Schonberg, A. Berg y Webern. Encontramos sus rasgos en las obras cinematográficas de en R. Wiene, E. Lang y Murnau, e influyó claramente en Eisenstein, Dreyer y Orson Welles.

Hemos señalar que este concepto de Expresionismo, siempre ha estado de algún modo presente en la historia del arte en todas sus formas, por que no podemos olvidar que toda expresión artística lleva consigo el reflejo interior del propio artista, tal es el caso que si seguimos esta visión, podemos afirmar que el Expresionismo ha existido desde que el hombre a realizó la primera obra con valor artístico. En este caso, cuando nos referimos al movimiento Expresionista, hablamos de este periodo de comienzos de siglo XX en una Alemania con unas características especiales propias.

- El Expresionismo Pictórico (2):

Nunca se publicó ninguna carta de presentación del movimiento ni se hicieron postulados dogmáticos de sus formas; fueron un grupo de artistas con un sentimiento común; cada uno de ellos tuvo unas influencias propias y una evolución diferente, pese a relacionarse en varios grupos más o menos formados, así, cada miembro tiene su estimulo propio, pero es el sentimiento que los mueve es precisamente lo que les clasifica dentro del movimiento Expresionista. Es más que un estilo, es una postura ante la vida, un enfrentamiento de la sociedad aún decimonónica de la Alemania de principios de siglo XX y de un ambiente enrarecido y demencial que desembocará en la Gran Guerra.

En el campo de la pintura, es común contraponer los pintores Expresionistas con los Impresionistas, pues se ha dicho que estos apostaban por una representación superficial de la realidad, aunque visto y tratada de una manera nueva mientras los Expresionistas se niegan a quedarse en lo superfluo de la realidad y necesitan expresar ese ambiente que les ahoga de la manera más explícita y contraria que pueden. Esto es cierto solo en parte, pues algunos temas Impresionistas no son solo una excusa para la técnica, sino reflejan sus propias visiones del mundo y la época que les tocó vivir.

En los expresionistas, el deseo de expresión es más profundo que la simple plasmación de las realidades tangibles y formales, así su dolor es interior, espiritual, y como tal no pueden reflejarlo de manera natural, sino simbólicamente, a través de los colores irreales, y así no buscan las formas miméticas de la naturaleza (eso ya lo habían superado los Impresionistas y Fauvistas).

El mundo que les tocó vivir era imperfecto, y como rechazo de este decidieron enfrentarse, en un deseo de cambio, así lo primero que hacen es inclinarse en la representación de aquello que se supone que representa pero que es falso, así hay un rechazo abierto a la Belleza, limpieza, mimesis, realidad... y reflejan aquello que les induce ese mundo (injusticia, sufrimiento, lucha,...); para ello recurren a numerosas formas, todas ellas enemigas de la tradición (aunque cada uno de los Expresionistas posee un estilo propio, podemos decir que comparten unos rasgos comunes):

- Rechazo a los formalismos académicos de la época. Es por ellos que ataquen a la composición, colores y formas naturales.
- Importancia exclusiva a la representación de la expresión personal a través de las formas pictóricas ya mencionadas.
- Según Gombrich, hay una gran influencia en la caricatura, con gran tradición a lo largo del siglo XIX, pero que ahora se utilizará con otra idea (de representar algún personaje público para mofarse de él, ahora va a expresar esa angustia interior del artista), por lo que se traspasa de formato, de los grabados decimonónicos, se plasmarán en grandes obras pictóricas.

En la práctica, podemos decir que hubo dos focos principales de difusión y producción, estos fueron:
- Die Brüke (El Puente)1905-18: Formado en Dresde por Ernst Ludwig Kirchner, Erich Heckel, Karl Schmidt-Rottluff y Fritz Bleyl a los que se les unieron E. Nolde en 1906 y M. Pechstein, C. Amiet en 1906, A. Gallen-Kallélaen 1907, F. Nölken, en 1908, y también B. Kubista.
- Der Blaue Reiter (El Jinete Azul)1910-1918: Creado en Munich Kandisky y Marc, fruto de una separación de la “Neue Kunstlervereinigung” (“Nueva Asociación de Artistas”).El Jinete Azul, al igual que El Puente, nunca fue ni un movimiento unitario ni una escuela, sino un encuentro breve artistas que compartían las mismas preocupaciones artísticas, que pueden resumirse en la búsqueda de un arte no imitativo sino espiritual y expresivo y su alejamiento del mundo material.

- Wassily Kandinsky

Su pensamiento y concepción acerca del arte lo plasmó en su obra “De lo Espiritual en el Arte” (3), donde recoge sus impresiones e ideas, y donde pone en relación directa teórica el color y la música en relación con la expresión de unos mismos sentimientos interiores del artista. A continuación resumiremos las ideas que en esta obra se da en relación de la pintura y la música.

Señalamos la gran Admiración de Kandinsky a Wagner (“Lohegrin”) y parte de Henry Van de Velde para anunciar que deben de haber leyes para guiar el contraste y el color y que estos no pueden utilizarse arbitrariamente. Influido por Worringer, apuesta por los valores psíquicos de la obra en vez de los aristotélicos (imitación).

Kandinsky nos habla de la creación pictórica y en especial sobre la composición, que “nace del artista como sucede desde hace siglos en la música”; la pintura ha alcanzado en este sentido a la música y ambas tienden cada vez más a crear obras absolutas, es decir, obras totalmente objetivas, que parecidas a las obras de la naturaleza, surgen por sí mismas como entes independientes. Estas obras están cerca del Arte “in abstracto” y quizás están llamadas a encarnar en el futuro este Arte que exista “in abstracto”.

En su idea esta que “Toda obra de Arte es hija de su tiempo, muchas veces es madre de nuestros sentimientos”.

El estado de ánimo de una obra puede profundizarse y transfigurar en estado de animo del espectador.

Nos habla de la palabra como sonido, así, la mención de un objeto es más poderosa y evocadora que el objeto en sí, pues transformamos un sonido abstracto en una imagen mental concreta, pese a no verlo; todo se complica cuando repetimos la palabra, que llega incluso más lejos y se pierde el sentido concreto y se convierte en un puro sonido, más allá de la abstracción, es espiritual, esto parecido es lo que ocurre con el “Leit-Motiv” de Wagner.

Refiriendose a la música, Apunta que algunos músicos (Debussy, Mussorgsky, algunos jóvenes músicos,...) expresan su interior, pero no abandonan la belleza tradicional por miedo; solo Schoenberg ha renunciado a la Belleza tradicional por otra que la gente no está acostumbrada en pos de la auto-expresión. Intenta romper con todo lo tradicional, aunque presiente que no puede haber una ruptura total, aunque se intenta que esta sea la menor posible.

“La música de Schoenberg nos introduce en un nuevo terreno en el que las vivencias musicales no son acústicas, sino puramente anímicas. Aquí comienza la “música del futuro”.

La música es capaz de representar mejor que las otras Artes la vida interior del artista, es la “más inmaterial de las Artes”, de ahí que las demás Artes se vuelvan a ella y la pintura utilice el ritmo y la construcción matemática y abstracta.

Los colores provocan reacciones físicas en los que los observan, y estos llegan al alma no por asociación, si no estas reacciones dependen de cada individuo.

Los colores también se asocian a la música, así el amarillo claro se podría dar la impresión de las teclas bajas de un piano o la voz de soprano como el barniz de granza.
La señora Sacharjin-Unkowsky trabajó el método de pintar los sonidos de la naturaleza, y su método fue utilizado por Skriabin en su “Prometeo”.

“El color es un medio para ejercer un influencia directa sobre el alma.”

Kandinsky toma citas de otros escritores anteriores, para justificarse en su idea de identificación entre música y pintura, así Goethe dice que “la música es el mejor medio para llegar al alma”, Delacroix también dijo que “el amarillo, naranja y rojo despiertan y representan las ideas de alegría y riqueza”. La pintura y la música están emparentadas como anunció también Goethe (“La pintura debe encontrar su bajo continuo”) y esto le llevará a la abstracción, puesto que para Kandinsky, ”la música es la más abstracta de las artes”.

Kandinsky explica las formas pictóricas (formas y color) como si se tratara de formas musicales, prueba de ello es la utilización sistemática del léxico musical aplicado al arte pictórico (armonía, tono, formas agudas, resonancia, composición, sonido, desarmonía, acorde...).

“La forma es pues la expresión del contenido interno”. ”El artista es la mano que a través de esta o aquella tecla (=forma) hace vibrar adecuadamente el alma humana”.

Las figuras abstractas han de estar en relación directa y en acorde con el alma, con el “sonido interior abstracto” (que equivale a un acorde como consonancia o disonancia).

“El sonido ideal se modifica cuando la forma en cuestión sufre un cambio de dirección (el triángulo dirigido hacia arriba suena más tranquilo que uno hacia abajo contra la superficie)”.

Kandinky, en su obra, nos llega dar ejemplos de cómo se pueden expresar equivalencias espirituales entre un color y un sonido, aunque en la práctica esta teoría sea muy difícil defender, la idea es buena, para poder comprender el intento de unión de las artes, así dice que:

- “El amarillo suena como una trompeta tocando con toda la fuerza o un tono de clarín”. “El amarillo puede expresarse con sus diversos matices por diferentes instrumentos”.
- “El azul claro corresponde a una flauta, el oscuro a un violonchelo y el más oscuro al contrabajo; el sonido del azul es una forma profunda y solemne, se puede comparar con el órgano”.
- “El amarillo se vuelve con facilidad agudo y no puede descender a gran profundidad. El azul se vuelve difícilmente agudo y no puede ascender a gran altura”.
- “Describiría al verde absoluto por medio de tonos tranquilos, alargados y semi-profundos del violín”.
- “El blanco (no-color) actúa como un gran silencio absoluto”(no-sonido). Puede equipararse a las pausas de un sonido sin que sea el fin definitivo.
- “El negro es una pausa completa y definitiva”. “Es el color más insonoro”.
- “El gris es un color de equilibrio, sin sonido ni movimiento”.
- El rojo cálido y claro se equipara a las trompetas acompañadas por tubas (sonido insistente, irradiante, fuerte) y puede compararse incluso con un el tambor (rojo-cinabrio).
- El rojo “recuerda los apasionados tonos de un violonchelo”. El rojo frío claro, se compara con “los tonos altos y vibrantes del violín”(y los cascabeles).
- El naranja, “su sonido es como el de una campana de iglesia llamando al Angelus, o como un barítono potente, o una viola interpretando un largo”.
- “El violeta se parece al sonido del cuerno inglés, de la gaita y cuando es profundo a los tonos bajos de los instrumentos modernos (por ejemplo el fagot)”.
- La manera en que unos colores se mezclan con otros constituye una “armonía cromática”; y esto es diferente en cada época. “Nuestra armonía consiste en la lucha de sonidos, equilibrio perdido, principios que caen, redoble de tambor inesperados, contradicciones, contrastes...”. Destaca el contraste (rojo y azul).

La composición simple equivale a una composición melódica, y la composición compleja equivale a una sinfonía. Hay varias formas de transición.

La “composición melódica” está relacionada con las formas geométricas.
Kandinsky divide su obra pictórica en tres tipos:
- 1º Impresión: Copia la naturaleza externa.
- 2º Improvisaciones Irracionales: Es la expresión inconsciente.
- 3º Expresión Analítica: Piensa y estudia racionalmente la obra a partir de un boceto.

Kandinsky, siguiendo estos apuntes, creará más tarde un movimiento nuevo, el “Abstraccionismo”, cuya vertiente Expresionista tomará nombre de “Expresionismo abstracto”.

- El Expresionismo Musical (4):

Al igual que ocurre con la pintura, el Expresionismo Musical no tiene una carta ni manifiesto que indique sus razones ni objetivos y sus representantes no siguen una pautas formales fijas ni comunales, sino estas son personales, fruto de sus propias evoluciones, pero lo que sí hay es un intento rupturista (en mayor o menor medida) con la tradición romántica de finales del siglo anterior. No obstante, podemos recurrir a Schoenberg para tomar algunos ejemplos de recursos musicales que utiliza en para alcanzar tales fines de expresividad interna a través de sus obras; estos son (5):

- Deseo de ruptura con las formas y estilos anteriores por medio de otras nuevas que están en contraposición con la tradición, de ahí que los intervalos sean distendidos (duplicaciones) y los más expresivos de entre ellos, privilegiados (2ª, 4ª, 7ª sean disminuidas o aumentadas), y los registros son llevados a los extremos de la escala sonora.
- Colaboración estrecha con otros artistas como dramaturgos y escenógrafos, por la gran importancia que estos tienen para la interpretación de la obra.
- Reducción de la música a sus elementos esenciales del lenguaje, las repeticiones inútiles (tema y su desarrollo clásico) legando a un atematismo y “desarrollo continuo”, apostando por las variaciones.
- Importancia igualitaria de todas las voces y sonidos (Pierrot Lunaire de Schoenberg) y correspondencia incluso con un color (Prometeo de Scriabin).
- Utilización de un texto para conseguir una estructura unificada en la obra.
- Creación en último grado de un sistema dodecafónico.

Schoenberg y su discípulo Alban Berg son los principales representantes musicales del llamado “Expresionismo” en la música, La ansiada rebeldía y deseo de ruptura con la tradición se halla claramente en la obra de Schoenberg, donde resalta ese deseo de “expresar” la emoción interior por medio de ciertos elementos musicales que se consideraban tradicionalmente como “errores”, tales como disonancias, ritmos atomista, melodías fragmentadas, orquestación extraña y atematismo en sus obras. Ejemplos de Expresionismo en Schoenberg son obras como Erwrtung, Die glückiche y Pierrot Lunaire. Son obras pensadas no para agradar al público, ni para llenar los salones ni teatros, sino para expresar es sentimiento interno del compositor. Para lograr una unidad en sus creaciones más extensas, Schoenberg dependía sobre todo del texto.

- Arnold Schoenberg y el panorama musical de Alemania a comienzos del S.XX.

Artísticamente, debemos tener en cuenta el panorama de la sociedad Vienesa de la primera mitad del S.XX; así hay una corriente que lleva al público a “consumir” Arte, dilatando aún más las relaciones entre el artista (que deseaba expresar su interior sin ninguna atadura estética ni dogmática) y el público (que eran los que financiaban un Arte específico). Este panorama en Viena era mucho más serio, con una sociedad reacia a cualquier tipo de cambio.

En el campo musical, todo esto se complica aún más pues los vieneses presumían de que en su tierra se llevaba la mejor tradición de la música occidental, y cualquier avance era considerado prácticamente como una agresión. Este panorama explica la feroz crítica que Schoenberg sufrió por parte de los conservadores, y cuando se formó un revuelo al ofrecerle una plaza poco importante en la Real Academia de música, así dijo: “... no iría a Viena ni aunque me doblaran ustedes el sueldo... En presentes circunstancias, no puedo vivir en Viena. Aún no he olvidado las cosas que me han hecho allí”.

Tal vez, el deseo de escándalo que provocaron sus obras viene de alguna manera de sus propias vivencias personales; así era un converso judío, que abrazó la Fe cristiana protestante a los 18 años (Viena era Católica, lo que le produjo más problemas que beneficios), pero volvió al judaísmo en 1933 (a la llegada de Hitler al poder).

La significación su en la música fue un equivalente a las nuevas tendencias pictóricas de la misma época (La obra de los Fauvistas, el Cubismo...).

Al igual que en las demás artes, surge el deseo de liberalizarlas de cualquier restricción de la naturaleza como tradición. El mismo músico denuncia “una emancipación de la disonancia”.

En palabras de Charles Rosen, referido a las obras de Schoenberg, “En su intensa y mórbida expresividad parecen respirar la sofocante atmósfera de ese mundo de pesadilla sin salida del arte expresionista alemán anterior a 1914”.

También, se debe considerar este movimiento y sus formas como una evolución lógica de las artes; así como el pos- impresionismo de Cézanne, Van Gogh y Gaugin dieron lugar a nuevas corrientes, el Expresionismo musical se puede considerar como una evolución lógica del pos- wagnerianismo y del pos- brahmianismo (Charles Rosen), a quienes se les debe, en gran medida el desvío hacia la atonalidad, aunque de manera menos decidida que los expresionistas, y que incluso a estos, pese a su timidez evolutiva, sufrieron la crítica mordaz del público. Ese temor a la crítica tal vez fue el detonante a que personajes de la talla de Richard Strauss dejara sus indagaciones atonales contemporáneas.

Charles Rosen apunta la importancia del simbolismo y de la armonía en la obra de Schoenberg, lo que le da una especial dificultad a los no iniciados en estos temas, pero aún así esa angustia es comunicada con elementos claros, como pueden ser las disonancias, los fuertes intervalos, los timbres...

- Conclusiones:

Una vez presentado los rasgos de las vertientes Expresionistas, tanto pictóricas como musicales, haber presentado a sus máximos teóricos y representantes (Kandinsky en obra gráfica y Schoenberg en sonora), y habiendo realizado una vista general al panorama político, social y económico de la Alemania de la época, para contextualizar y situar estos rasgos, estamos en condiciones en decir:

1º Hay una relación estilística entre ambas artes. Pese a la diferencia de sus canales de expresión, ambas logran anunciar una idea común de sentimiento generalizado de existencialismo, de negación vital reflejando en ambiente de la Alemania de principios de l siglo XX y deseo de ruptura con la tradición academicista decimonónica que por entonces imperaba institucionalmente (así en el marco gráfico, se rompe con el color, la forma y el dibujo tradicional, y en la música, se rompe con la armonía, tonalidad, y dogmática de los conservatorios)

2º Este deseo de innovación en la pintura y música, chocó con la crítica de entonces, por lo que sufrieron una enorme crítica por parte de los expertos tradicionalistas y tardó en ser aceptada por el público, como ejemplo de esto no más hay que leer las críticas de las exposiciones de la época, así como recordar que el mismo Schoenberg sufrió en sus carnes estas críticas en Viena, razón que propició su marcha de la ciudad.

3º Pese a los intentos teóricos (Kandinsky), nunca se llegó a un consenso de unir ambas artes por medio de normas; así los intentos de relacionar los colores con las notas musicales o tonalidades, nunca fueron aceptados ni consensuados, y esto viene por los principios mismos del movimiento Expresionista de no atarse a las normas y el deseo de expresión individual de cada artista; pero debemos resaltar que la simple anunciación de estos principios, anuncia el deseo de estos autores a la aproximación de ambas artes.